Mit einem wortgewaltigen Albumtitel läutet G.G. Anderson die schöne besinnliche Weihnachtszeit ein. „Pulverschnee und Zärtlichkeit“ ist eine bunte Lichterkette mit einem Farbenmeer an Songvariationen. Die Bandbreite reicht hier von großartigen eigenen Songs mit ihren kunstvollen Liedmotiven wie „Die erste Schneeballschlacht“ oder „Winterzeit“ bis hin zu den großen klassischen Weihnachtsliedern wie „Heidschi Bumbeidschi“ oder „Weiße Weihnacht (White Christmas)“ welche G.G. Anderson mit samtweich gefühlvoller Stimme ausdrucksstark interpretiert.

Jedes Lied hat seine ganz eigene weihnachtlich stimmungsreiche Symbolik und macht dieses Weihnachten zum melodischen Geschenk. „Pulverschnee und Zärtlichkeit“ ist eine besondere Bescherung der musikalischen Art in der sinnbildlichen Variation eines klingenden Adventskranzes. Das Fest der Liebe, der besinnlichen Stunden mit all ihren gedanklichen Zuwendungen werden auf diesem Studioalbum leidenschaftlich vereint. Still, unaufdringlich, sehr behutsam reihen sich hier die bezaubernden weihnachtlichen Lieder aneinander und ergeben ein ehrliches Album, welches die Festtage so werden lassen, wie man es aus der guten alten Zeit noch kennt.

Schauspielerin und auch Musikerin? Iris Mareike Steen ist zweifelsohne beides! In welcher Reihenfolge und mit welcher Gewichtung? Diese Frage sollte man zunächst etwas genauer beleuchten. Denn die breite Öffentlichkeit kennt Iris bislang „nur“ als Schauspielerin. Werktäglich tritt sie am Vorabend bei RTL mit packenden Geschichten vor ein Millionen-Publikum. Als Musikerin dagegen wird man sie erst jetzt so richtig wahrnehmen. Dabei: „Ich habe mit sechs Jahren angefangen Schlagzeug zu spielen, später kamen noch Gitarre und Klavier hinzu“, erklärt die überaus beliebte 31-Jährige, die durch ihre Rolle der ‚Lilly Seefeld‘ in der RTL-Serie ‚Gute Zeiten, schlechte Zeiten‘ (kurz: GZSZ) bundesweit bekannt wurde.

Das Multitalent sagt: „In meiner Jugend habe ich mich wie ein cooles Punkrock-Mädchen gefühlt und ich liebe diese Musikrichtung immer noch. Vor allem aber bin ich ein riesiger Fan von John Lennon und den Beatles. Ihre eingängigen Melodien, die großartigen Harmonien gehören im Grunde zu meinen frühesten Prägungen als Kind!“ Unter der Regie von Produzent Ingo Politz (Lena Mayer-Landrut, Silbermond, Glasperlenspiel, Joris) hat diese Leidenschaft jetzt zu einem ersten Album geführt. Veröffentlicht wird es im Frühjahr 2023. Bereits ab dem 9. Dezember 2022 gibt es mit dem Song ‚Haltlos‘ eine erste Vorab-Single inklusive Videoclip.

Über den Text des zeitlosen Popsongs, den Iris sich selbst auf den Leib geschrieben hat, sagt sie: „Mein Leben verläuft extrem strukturiert und ist nahezu minutiös durchgetaktet. Ich habe das Gefühl, dass mir diese Struktur den nötigen Halt gibt. Gleichzeitig besteht aber natürlich die Gefahr, dass man sich schnell überfordert. ‚Haltlos‘ ist deshalb ein Wake-Up-Call an mich selbst, eine Art Reminder, dass ich Achtgeben muss, um nicht auszubrennen.“ Zugleich ist ‚Haltlos‘ der Aufgalopp für drei weitere Singleauskopplungen, die in den kommenden Wochen veröffentlicht werden. Sie zeigen Iris Mareike Steen als einfühlsame Sängerin mit instinktsicherer Beobachtungsgabe und großer Empathie. „Ich habe immer schon Texte geschrieben und Musik gemacht, nur bislang halt meistens für mich selbst, selten für die Öffentlichkeit“, erzählt sie.

Manfred Maurenbrechers Geschichte ist inzwischen schon oft erzählt worden. Zuletzt von ihm selbst in seiner gefeierten Biographie mit dem Untertitel „Vom Liedermachen in den Achtziger Jahren“. Entdeckt von Herwig Mitteregger, besorgt ihm dieser 1982 einen Plattenvertrag beim Majorlabel CBS. Von einer Sekunde auf die andere wird der Berliner Liedermacher, der kleine Läden und Straßenmusik-Touren gewöhnt war, Labelkollege von Größen wie Bob Dylan, teilt sich mit Nena, Nina Hagen oder eben Mittereggers Band Spliff Manager Jim Rakete. Spliff werden drei Alben lang Maurenbrechers Studioband und versuchen mit ihm zusammen »eine neue Sorte Lied zu erfinden«, wie es Kulturjournalist Max Dax in den Linernotes zur jetzt vorliegenden Retrospektive formuliert, die erstmalig die seit den Neunzigern vergriffenen Songs wieder offiziell verfügbar macht. In der 6 CD-Box sind die fünf original CBS-Studioalben enthalten, sowie das Bonus-Album „Lose Enden“ mit bis dato unveröffentlichten Outtakes, Live- und Demoaufnahmen. Drei der fünf LPs erscheinen hier erstmalig auf CD. »Nennen wir es eine ´Wild Card´, die da gespielt wurde«, schreibt Dax weiter im Booklet, das, wie die komplette Box, auch von ihm gestaltet wurde, »... und die es Maurenbrecher erlaubte, mit großer künstlerischer Freiheit nach einem dritten Weg zu suchen, nicht moralisch-bekennerhafter Deutschrock, nicht spaßige Neue Deutsche Welle, sondern ein Weg, der einst in Deutschland von Brecht/Weill vorgedacht worden und im angloamerikanischen Raum von Musikern wie Randy Newman oder Tom Waits erfolgreich adaptiert worden war - in seinen Lyrics wechselte Newman immer wieder die Erzählperspektive, spielte er ein Rollenspiel, indem er sich Masken von Fremden aufsetzte, einen Südstaatler rassistisch reden ließ, mit Sympathie und in der Rede angelegter Kritik zugleich, aber eben keine ´Bekenntnis-Lyrik´ schrieb.«

Bryan Adams ist einer der aufregendsten Live-Musiker der Welt. Seine energiegeladenen Performances, seine Bühnenpräsenz und sein unglaublicher Gesang begeistert seine Fans weltweit. Mit seiner Musik gehört er weiterhin zu einer festen Größe im Rockradio. Sein Songwriting hat ihm bereits zahlreiche Preise und Auszeichnungen eingebracht, darunter drei Oscar-Nominierungen, fünf Golden-Globe-Nominierungen und einen Grammy Award.

Adams' Einfluss erstreckt sich über 4 Jahrzehnte, in denen er 14 Studioalben veröffentlicht hat. Am 28. Oktober Veröffentlicht er mit So Happy It Hurts (Super Deluxe) - ein 2-CD-Set mit seinem neuesten Studioalbum. Das Set enthält eine zweite Disc mit 12 neu aufgenommenen Versionen seiner größten Hits. Dies ist seine vierte Albumveröffentlichung in diesem Jahr.

Yvonne Gabriel hat eine Mission. Genau genommen sind es zwei: Sie möchte die Erinnerungen an ihren verstorbenen Vater Gunter Gabriel wachhalten und zugleich allen Frauen ein leuchtendes Vorbild sein. Deshalb hat sie im Frühjahr 2022 ein Buch über ihr berühmtes Familienmitglied veröffentlicht und präsentiert nun, nur ein knappes Jahr später, ein gemeinsames neues Album. Es heißt ‚Denkmal‘ und zeigt Yvonne und Gunter Gabriel als Gesangsduett. Entstanden sind die Aufnahmen posthum, versteht sich. Dennoch erfährt man auf ‚Denkmal‘ eine Menge über den unvergessenen deutschen Musiker, über sein wildes Leben, aber auch sein großes Herz für Obdachlose, für einsame Trucker, für die Gestrandeten und Verlorenen unserer Gesellschaft. Yvonne sagt: „In gewisser Weise war mein Vater selbst ein Straßenhund, ein Punker, ein Revoluzzer und alter Haudegen. Seine Lieder haben dies immer absolut authentisch widergespiegelt.“ Gleichzeitig offenbaren sich auf ‚Denkmal‘ auch Yvonne Gabriels große soziale Empathie, ihre Sichtweisen, ihr Kämpferherz und ihre Rolle als mutmachendes Beispiel für andere Frauen. „Ich war 17 Jahre lang mit leidenschaftlicher Überzeugung Hausfrau und Mutter dreier Jungs. Der Tod meines Vaters hat mich zur Sängerin gemacht und mir jetzt mit 56 Jahren meinen ersten Plattenvertrag beschert“, freut sie sich. „Für mich ist dies Traum und Herausforderung zugleich und erinnert mich an einen Satz, den Gunter oft zu mir gesagt hat und den ich als Appell an andere Frauen weitergeben möchte: Mach das, was in dir steckt!“

Als Gunter Gabriel im Juni 2017 an den Folgen eines Treppensturzes starb, wurde Yvonne, seine älteste Tochter aus erster Ehe, zur Alleinerbin. Kein leichtes Unterfangen für sie, denn bevor man sich um den künstlerischen Nachlass kümmern konnte, mussten zunächst offene Außenstände beglichen werden. Yvonne Gabriel verkaufte das legendäre Hausboot im Harburger Binnenhafen, auf dem der Musiker 20 Jahre lang gelebt hatte. Sie offerierte treuen Fans private Andenken ihres Vaters, verständigte sich mit dem zuständigen Finanzamt und fand in der so genannten ‚Gunter Gabriel Bar‘ in Hildesheim den perfekten Ort für wichtige Devotionalien, darunter die Johnny Cash-Hose und die berühmte ‚Deutschland-Gitarre‘. Zudem akzeptierte sie den Wunsch vieler Veranstalter, Gabriels bereits gebuchten Wohnzimmerkonzerte gemeinsam mit seiner Band durchzuführen. Sie sagt: „Gunter hatte die Auftritte fest zugesagt, und er stand stets zu seinem Wort. Durch mich als für ihn stellvertretende Sängerin konnte er so über seinen Tod hinaus diese Zusagen einhalten.“ Für Yvonne ein Sprung ins kalte Wasser, aber einer, der für die Fans durchaus folgerichtig war. Denn als Duettpartnerin ihres Vaters im Lied ‚Hey Yvonne (Warum weint die Mammi)‘ war sie bereits 1974 unter anderem in der ZDF-Sendung ‚Disco‘ mit Moderator Ilja Richter zu sehen. In den darauffolgenden mehr als 40 Jahren haben Gunter und Yvonne Gabriel das Stück so oft es ging gemeinsam gesungen, zuletzt 2016 bei einem Auftritt in Geiselwind.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist zurück. Und mit ihrer neuen Single „16 Tons“ hat sie sich schweres Gewicht aufgeladen. Der Song ist Nina Hagens Version des alten, amerikanischen Folk-Klassikers über das von Knochenarbeit und existenzieller Bedrängnis geformte Leben der Bergarbeiter von Kentucky. Nina Hagen singt von diesem ausweglosen Alltag – „muscle and blood and skin and bones“ – mit ihrer gebieterisch tiefen und dunkel vibrierenden Stimme. Ein für das Jahr 2022 geupdateter Western-Twang, aufgenommen mit viel erratischen Hall, unbeirrt voranschreitenden Groove und wüstentrockenen E-Gitarren.

Geschrieben und erstmals aufgenommen bereits 1947 vom Country-Sänger Merle Travis, wurde „16 Tons“ besonders in der 50er-Jahre-Version von Tennessee Ernie Ford bekannt und danach von so manchen Helden der Popgeschichte gesungen – von Elvis Presley und B.B. King über Stevie Wonder und Johnny Cash bis hin zu Harry Nilsson und Tom Morello (Rage Against the Machine). Wenn sich jemand an ein Stück mit so gewichtigem pophistorischen wie sozialpolitischen Ballast herantrauen darf, dann ist es Deutschlands bedeutendste Punk- und New-Wave-Ikone. Wenn man sich die Interpretenliste genau anguckt, fehlen ohnehin noch ein paar starke Frauenstimmen.

Das Jahr 2022 markiert Richard Marx' mittlerweile fünfunddreißigstes Jahr als Künstler und sogar achtunddreißigstes als professioneller Songschreiber. Der damals im Jahr 1984 von dem Trio bestehend aus Kenny Rogers, Kim Carnes und James Ingram veröffentlichten Song „What About Me", an dem Richard Marx mitgeschrieben hatte, war nicht nur sein erster offiziell von einem anderen Künstler aufgenommener Song, sondern zugleich auch seine erste Nummer eins als Songwriter. Am 30. September dieses Jahres wird Marx sein neues, einzigartiges und ambitioniertes Album mit dem schlichten, aber bezeichnenden Titel „Songwriter“ veröffentlichen.

„Songwriter“ umfasst insgesamt zwanzig Songs aus jeweils vier verschiedenen Musikgenres: Fünf Pop-, fünf Rock-, fünf Countrysongs und fünf wunderschöne Balladen. „Ich hatte in meiner Karriere als Songwriter die großartige Gelegenheit, alle möglichen Songs mit und für die verschiedensten Künstler zu schreiben", erklärt Richard. „Und schließlich kam mir der Gedanke, dass es eigentlich keinen vernünftigen Grund dafür gibt, nicht auch ein eigenes Album aufzunehmen, das die all die Genres beinhaltet, die ich liebe."

Während einige der Titel auf „Songwriter" - wie im Übrigen auf allen seinen früheren Alben - von Richard allein komponiert wurden, machen nun Kollaborationen einen Großteil der Tracks aus, die er gemeinsam mit großartigen Superstars geschrieben hat. „One Day Longer" beispielsweise schrieb Richard mit seinem langjährigen Freund Keith Urban, dessen frühere gemeinsame Kollaborationen („Better Life" und „Long Hot Summer") bereits direkt an der Spitze der Country-Charts gelandet waren. „Breaking My Heart" entstand in Co-Writing-Sessions mit Darius Rucker sowie dem ehemaligen Evanescence-Gründer David Hodges. „My Love, My Enemy" - ein echter Juwel von einem Rocksong – stammt aus der gemeinsamen Feder von Richard und einem weiteren langjährigen Freund und Kollaborateur, Matt Scannell von Vertical Horizon. „One More Yesterday" wurde zusammen mit Chris Daughtry und Jason Wade von Lifehouse komponiert und die neue Ballade „Always" ist eine Kreation von Richard und einem seiner lebenslangen Helden, dem legendären Burt Bacharach. „Die Erfahrung, mit Burt in einem Raum zu sitzen und gemeinsam einen Song zu schreiben, betrachte ich als einen der größten Nervenkitzel meines Lebens. Dass wir einen Song geschrieben haben, auf den wir beide so richtig stolz sind und den wir so sehr lieben, macht mich umso dankbarer. Außerdem sind wir richtig gute Kumpel geworden. Burt ist vierundneunzig und alles, was er tun will, ist, noch mehr großartige Songs zu schreiben. Er ist eine unglaubliche Inspiration."

Darüber hinaus hat Richard sogar mit zwei seiner Söhne zusammengearbeitet, die beide auch selbst als Singer-/ Songwriter und Produzenten tätig sind. Die beiden Songs „Shame On You" und „We Are Not Alone" wurden mit Jesse Marx geschrieben, dessen eigene Debüt-EP kürzlich unter dem Bandnamen Mark This Hour veröffentlicht wurde. Lucas Marx hat bei drei Tracks mitgeschrieben und produziert, darunter die erste Single-Auskopplung des Albums „Same Heartbreak Different Day".

Doch „Songwriter” ist nicht nur einfach ein weiteres Kapitel in einer langen und illustren Karriere, sondern auch das jüngste Ergebnis in einer Reihe von verschiedenen erfolgreichen kreativen Projekten. So veröffentlichte Richard im Februar 2020 mit „Limitless“ ein Album, das eine Top-15-Single hervorbrachte und Platz 2 der iTunes-Pop-Alben-Charts erreichte. Im darauffolgenden Jahr avancierten Richards Memoiren „Stories to Tell“ zu einem nationalen Bestseller - der dazugehörige Soundtrack erreichte die Top Ten. Die Taschenbuchausgabe von „Stories to Tell“ erschien im Juli dieses Jahres.

Weitere Informationen auf:
https://richardmarx.com

VÖ: 30.09.2022
Label: BMG RIGHTS MANAGEMENT
Quelle: BMG RIGHTS MANAGEMENT
Fotos: BMG RIGHTS MANAGEMENT und Cole Miller

Wenn es ein lebendes, atmendes Rock'n'Roll-Meme gäbe, könnte es wohl kein anderer sein als Billy Idol – denn dieser Künstler steht nicht still. Mit einer 46 jährigen Musikkarriere ist Billy Idol immer noch ein sich ständig wandelnder Mythos. Als intellektueller Bücherwurm und Höhlenmensch des Internet Zeitalters findet er eine moderne Sprache für das feurige Eddie-Cochran-meets-Ziggy-Stardust-Gebrüll, das er erzeugt, seit er zum ersten Mal die Bühne betrat. All das ist auf der The Cage EP zu hören, die am 23. September über Dark Horse Records erscheint. Darin enthalten sind vier Tracks, die einen wie klassische Idol Songs fesseln und gleichzeitig die Augenbrauen hochziehen lassen. Es erinnert an Musik, die man aus dem Auto eines Teenagers hört, der gerade die Straße runtergefahren ist.

Es ist schon komisch, vielleicht hat der Name ihn wirklich definiert. Vor 46 Jahren, als alle den nihilistischen Klebstoff schnüffelten und sich rotzfreche kleine Punkrock-Namen gaben, sollte er eigentlich "Idle" lauten - aber jemand schrieb ihn falsch, und aus William Broad wurde Billy Idol. Und das ist es, was er wurde: Ein Idol. Aber dieses Idol ist nicht in Stein gemeißelt, und es steht auch nicht auf einem Sockel, um zu verstauben. Billy Idol besteht darauf, zu den aktuellen Nachrichten von heute zu zählen und nicht nur die Erinnerung von gestern zu sein. Mit feurigem Atem spuckt er Träume und Alpträume aus, liefert Clubland-Croon und Bolan-gesegnete Coolness, bewegt sich durch die Wüste, schleust sich durch Städte, rast über Ozeane, Hügel und die Zeit. Wenn Ihr glaubt, Idol sei untätig, dann habt Ihr The Cage EP noch nicht gehört.

Es ist genau ein Jahr her, dass Billy Idol seine letzte EP, ebenfalls über das von George Harrison gegründeten Label Dark Horse Records, veröffentlicht hat. The Roadside wurde von Butch Walker produzierte und ist sowohl geprägt von Direktheit und Eindringlichkeit als auch von Ungewissheit und Dunkelheit während der Pandemie. In dieser Zeit ist viel passiert. In erster Linie sind Billy Idol und Steve Stevens wieder auf Tour gegangen und diese unglaubliche Energie hat sich auf ihr neues Werk übertragen.

Billy Idol: The last EP, we were kind of warming up to this. This EP is a lot more coming at you. Loads more guitar. And that’s a lot of fun. We were pretty fired up by the fact that we hadn’t played for a couple of years, and suddenly we were bursting on stage, and it kind of woke us up to what the next EP could be: That it could be a little more strum und drang, a little more coming at you, a little more rock’n’roll, a little more f*ck you! Well, a tiny bit of f*ck you, anyhow. The bottom line is we had a lot of fun doing it.”

"Cage", der Titelsong der EP, ist vielleicht Billy und Steves heftigster und unverblümtester Punkrocksong seit Jahrzehnten. Tatsächlich könnte man meinen, dass die wilden Riffs, treibenden Melodien und Morsecode ähnlichen Rhythmen von Generation X ins 21. Jahrhundert transportiert wurden.

“Classic is what we were shooting for,”sagt Co-Produzent Zakk Cervini. “It’s loud guitars and live drums yet treated in such a way that it can live alongside music being made today. I asked myself, ‘If Billy was a brand-new artist today, what would he be making?’ And that’s what we shot for. One of the goals Tommy and I had was to help Billy and Steve make songs that would just go crazy live. This time around, we were all thinking, shows are back, the world is opening up again, this is exciting, we want new material that just goes off live. High energy, kickass great rock songs. That’s what we shot for, and I think that’s what we got.”

Dieser Song reiht sich in seiner besonderen Machart wieder in die großen Hits „Computerliebe“ oder „Herz an Herz“ von Paso Doble ein, in denen Rale Oberpichlers typischer Satzgesang den einzigartigen Charme dieser Band schuf. Zusammen mit ihrem Produzenten Kai Soffel knüpft Paso Doble mit „Es ist (Die Liebe bleibt)“ nahtlos und in zeitgemäßem Sound an ihre großen Erfolge an und zeigen sich absolut am Puls der Zeit.

Weitere Informationen auf:
https://paso-doble.com

VÖ: 24.09.2022
Label: Paso Doble Musik
Quelle: Paso Doble Musik
Fotos: Paso Doble Musik / RADIO fresh80s (Oliver Ott)

a-ha melden sich mit ihrer neuen Single „You Have What It Takes“ zurück, die den neuesten Vorgeschmack auf ihr neues Album True North darstellt, das am 21. Oktober 2022 erscheint. „You Have What It Takes“ folgt auf die jüngste Single „I'm In“ und läutet eine neue Ära für a-ha ein, während die Band auf die Veröffentlichung ihres neuen Albums zusteuert. Ihre erste Sammlung an neuen Liedern seit der im Jahr 2015 erschienenen Platte Cast in Steel ist mehr als nur ein schlichtes Album. Es ist auch ein Film, der a-ha bei den Aufnahmen der Songs im Jahr 2021 in Bodø begleitet, einer norwegischen Stadt rund 90 km oberhalb des Polarkreises. „Wir feilen an jedem Album, um zu schauen, ob wir vielleicht etwas anders machen können“, erklärt Paul. Der Film True North wurde diese Woche Publikum in über 400 Kinos in 29 Ländern vorgeführt und ist ab dem 21. Oktober 2022 zur Leihe und zum Kauf erhältlich.

Das wunderschöne Lied „You Have What It Takes“ zeigt mit seinen kunstvollen Gitarrenklängen und Mortens unverwechselbarem Gesang die wohl emotionalste Seite von a-ha. Es ist eine widerhallende Botschaft der Hoffnung, Heilung und Genesung, die den/die Hörer/-in mit folgender Zeile moralisch aufbaut: „Don’t be afraid to fail or fall, everyone carries a weight. We learn to walk before we crawl, so do this for all of our sakes. You have what it takes.“ (zu Deutsch: Hab keine Angst davor, zu scheitern oder zu fallen. Jeder Mensch hat seine Last zu tragen. Wir lernen laufen, bevor wir krabbeln können, also tu es für uns alle. Du hast das Zeug dazu.). Die Bedeutung des Liedtextes findet weltweiten Anklang und spendet Kraft und Trost angesichts dieser noch nie da gewesenen Zeiten.

Magne Furoholmen von a-ha erklärt: „,Oh, this world, like a wounded bird …ʻ (zu Deutsch: Oh, diese Welt, wie ein verwundeter Vogel …). Wir leben in einer zunehmend verwirrenden und unbeständigen Zeit. Dabei vergessen wir oftmals, bestimmte Dinge hinreichend zum Ausdruck zu bringen – untereinander, gegenüber unseren Kindern, unseren Liebsten, unseren Freunden und der heranwachsenden Generation. Wenn wir Veränderungen zum Besseren erreichen wollen, brauchen wir Menschen, denen es wichtig ist, für ihre Ideale einzutreten, und die von uns allen unterstützt werden. Ich blicke mit großer Hoffnung in die Zukunft, wenn ich den Mut und die Überzeugung der jungen Leute sehe. Sie haben es drauf – und du auch. DU hast das Zeug dazu!“.

Mit ihrem 11. Studioalbum, das gleichzeitig ein sehr unmittelbares Dokument dessen Entstehung ist, haben a-ha neues Terrain betreten. „Zunächst hatten wir die Idee, eine Studio-Session live aufzunehmen“, erklärt Paul. „Dann wollten wir eine Studio-Session filmen. Das Ganze hat sich dann zu einer Produktion mit dem norwegischen Orchester, der Arktischen Philharmonie, entwickelt, mit der wir zusammengearbeitet haben.“ Das alles ist im Film zu sehen.

In dem Film True North performen a-ha gemeinsam mit dem Orchester und nehmen gemeinsam Songs auf. Zudem wird die Landschaft rund um Bodø gezeigt, in der Magne, Morten und Paul über True North sprechen. In wiederkehrenden Sequenzen stellen Schauspieler/-innen das Leben im Norden dar. Der mehrdimensionale Film schlägt einen erzählerischen Bogen, der den Spirit der neuen Songs verkörpert und aufzeigt, wie wir alle mit unserer Umwelt verbunden sind. Stian Andersen, ein langjähriger Partner von a-ha, hat dabei Regie geführt. „True North ist ein persönlicher Brief von a-ha vom Polarkreis, ein Gedicht vom hohen Norden Norwegens mit neuer Musik“, so Magne.

Die Songs des Albums sind durchdrungen von einem Gefühl für einen Ort und einer tiefen Verbundenheit damit, wie wir mit der Umwelt umgehen. Zum ersten Mal zeigen uns a-ha, woher sie kommen und wer sie sind – und wie unzertrennlich diese beiden Aspekte sind. Es ist nicht verwunderlich, dass sich a-ha in True North von ihrer offenherzigsten Seite präsentieren. Nie zuvor wurde die Seele von a-ha so unverhüllt dargestellt.

Die Balance zwischen dem neuen Ansatz und den für a-ha typischen Qualitäten, zwischen den Songs selbst und dem übergreifenden Konzept von True North ist gelungen. „You Have What It Takes“ schreibt dieses aufregende neue Kapitel für die Band fort. Nichts könnte dies besser in Worte fassen.